EL JAZZ CON CHARLES CHRISTOPHER PARKER JR

Charlie Parker

CARLINMORVAN

Concretamente señala Wikipedia sobre este gran saxofonista ,uno de los grandes interpretes  de esta musica  que Charlie Parker,  saxofonista y compositor estadounidense de jazz. Apodado Bird, está considerado como el mejor saxofonista alto de la historia del jazz, siendo una de las figuras claves en la evolución del jazz y uno de sus artistas más legendarios y admirados.

Hijo único de Charles y Addie Parker, sus inicios en la música fueron a una edad temprana. Tocó en un principio la tuba barítona, antes de cambiarse al saxofón. Su madre se negó a la tuba, pensando que no era un instrumento adecuado para él, así que, ahorrando de todas partes, le compró un saxo alto. Aprendió de manera autodidacta fijándose de los grandes saxofonistas de la época, sobre todo en Lester Young y Buster Smith, sus primeras influencias. A los catorce años abandonó la escuela para sumergirse de lleno en el ambiente musical de su ciudad. Tras algunas experiencias frustrantes en varias jam sessions, Parker consiguió, tras trabajar mucho su técnica, ser considerado ya en 1937 (tras unirse a la orquesta de Jay McShann) una primera figura del jazz.

Aporta sobre él apoloybaco,com, que Charlie Parker nació en el seno de una familia humilde en un barrio de Kansas City.  Con 13 años ingresó en el "College Lincoln" donde se despertó en el el interés por la música. Empezó a estudiar bajo la dirección de Alonzo Lewis, que había tenido como alumno suyo anteriormente a Walter Page entre otros.

Se dice, que aprendió el instrumento de forma autodidacta e intentando al principio imitar a los grandes saxofonistas de Kansas City, como Ben Webster  y sobre todo, Lester Young. Era 1935, y con tan solo quince años tenía el carné de músico profesional del "Local 627", sindicato de músicos de Kansas; se acababa de casar con una compañera del colegio mayor que el;  iba a ser padre y ya había probado todo tipo de estupefacientes en una ciudad, Kansas City, cuyo alcalde, Tom Pendergast, era un notorio gangster. En 1938 después de que el clarinetista, Buster Smith, le aconsejara sobre la técnica del saxofón y el uso adecuado de las boquillas y cañas, se marcha a Chicago y de allí salta a New York

Junto con Bud Powell y Dizzy Gillespie, es el iniciador del bebop. Su estilo rompe con el del swing y se basa en la improvisación sobre una melodía modificando los acordes, creando así nuevas melodías sobre la estructura de los temas. En este sentido, aparte de su obra interpretativa, Parker es autor de varios temas que se han convertido en estándares del jazz: "Anthropology", "Ornithology", "Scrapple From the Apple", "Ko Ko", "Now's the Time" y "Parker's Mood".

Se agrega, que Parker llegó por primera vez a Nueva York  en 1939, donde trabajó como lavaplatos en un club donde podía oír todas las noches a Art Tatum. Realizó su grabación de debut con Jay McShann en 1940, creando solos destacados con un pequeño grupo de la orquesta de McShann en temas como "Oh, Lady Be Good" y "Honeysuckle Rose". Con la big band de McShann lograría en 1941 impresionar a las audiencias con sus nuevas ideas musicales. Tras tocar con Dizzy Gillespie por primera vez en 1940, tuvo una breve colaboración con la orquesta de Noble Sissle en 1942, tocó el saxo tenor con la orquesta de bop de Earl Hines en 1943 y estuvo varios meses de 1944 en la orquesta del cantante Billy Eckstine, aunque la abandonaría antes de que el grupo hiciese sus primeras grabaciones. Gillespie formaba parte también de las orquestas de Hines y Eckstine; a finales del 1944 los dos músicos empezaron a trabajar juntos.

Aunque Charlie Parker grabó con el grupo de Tiny Grimes en 1944, fue su colaboración con el trompetista en 1945 la que lo daría a conocer de forma definitiva en el mundo del jazz con temas tan novedosos como "Groovin' High", "Dizzy Atmosphere", "Shaw 'Nuff", "Salt Peanuts" y "Hot House"; sus solos representaban una novedad absoluta para los oyentes acostumbrados a los convencionalismos de Glenn Miller y Benny Goodman Sus grabaciones de 1943 y 1944 dieron carta de naturaleza al bebop, una música que era más bien una evolución del swing, antes que una revolución, aunque su impacto fuese extraordinario.

Cabe señalar, que, la carrera de Parker se vio lastrada por las drogas. Adicto a la heroína casi desde su adolescencia, muchos músicos le imitaron en esto con la convicción de que así podrían elevar su calidad musical.

Mantiene una relación amorosa y sentimental con Chan Richardson que le da un hijo y una hija. Es la muerte prematura de esta ultima en 1954 la que acelera su fin. Alterna sesiones musicales grandiosas con estados depresivos cada vez mas frecuentes, bebe como un cosaco y su conducta es cada vez mas caótica hasta el punto de que intenta suicidarse de nuevo.

En 1954, con la muerte de una hija por el medio por carecer de dinero para una adecuada atención por una neumonía, protagonizó dos intentos de suicidio, y, finalmente, murió en marzo de 1955 a los 34 años como consecuencia de un colapso cardiocirculatorio.

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JOHNY HODGES GRAN INTERPRETE DEL JAZZ

Johnny Hodges

CARLINMORVAN

El jazz tiene en su historia grandes interpretes que han dejado huellas en su tránsito e incursión en este estilo de música, tal es el caso de Johnny Hodges un gran maestrop del saxo alto , al respecto, nos recuerda apoloybaco,com, que Johnny Hodges (1906-1970), fue un músico extraordinario e inigualable. Su nombre permanecerá escrito en la historia del jazz, como uno de los solistas mas importantes de la gran orquesta de Duke Ellington en la que ingresó en 1928 con apenas veintidós años, y que salvo un periodo tiempo (1951-1955), no abandonaría hasta su muerte en 1970.

UNO GRANDEL JAZZ DUKE ELLINGTON

Duke Ellington

CARLINMORVAN

Cuando nos adentramos en lo que el Jazz represente como una música que hay que saberla disfrutar en toda su amplitud , no se puede ignorar lo que este gran del Jazz, estadounidense,  nos legó y que a pesar de no estar ya presente, su música propia de este género será siempre escuchada.

Ellington  fue muy especial y se sabe que al final de su vida llegaron los mayores reconocimientos a su carrera, teniendo en su haber los títulos de Doctor Honoris Causa por las Universidades de Howard en 1963, y de Yale en 1967, además de la Medalla Presidencial del Honor otorgada en 1969. Fue nombrado miembro del Instituto Nacional de las Artes y las Letras de Estados Unidos en 1970, y en 1971 pasó a ser el primer músico de jazz miembro de la Real Academia de la Música de Estocolmo. Estuvo nominado en 1965 para recibir el Premio Pulitzer, pero su candidatura fue rechazada, a lo cual reaccionó con una de sus frases más famosas: "El destino está siendo amable conmigo. No quiere que yo sea famoso demasiado joven". Su nombre real es: EDWARD KENNEDY ELLINGTON

 Se nos recuerda, que Duke Ellington,  nació rnWashington D.c. 29 de abril de 1899, murió en  Nueva York, 24 de mayo de 1974,compositor, director y pianista estadounidense de jazz. Está considerado, según la crítica, como uno de los más importantes e influyentes compositores de jazz de la historia, junto a Louis Armstrong y Charlie Parker. Su biógrafo, Derek Jewell, afirma que Ellington pudo llegar a escribir unas 2.000 piezas musicales durante toda su vida, si bien las que creó en trozos de papel luego perdidos son incontables, pudiéndose elevar la estimación total de obras compuestas incluso hasta 5.000 piezas.

Nació en el seno de una familia que nunca pasó necesidades económicas ya que su padre era mayordomo de una casa de gente adinerada y su madre procedía de una familia negra acomodada. Recibió además de una excelente educación burguesa un porte de elegancia aristocrática que llevaría durante toda su vida, de ahí el apodo de "Duke" (Duque) que le pusieron sus amigos. Su educación musical empezó con el piano de su madre y aunque recibe clases de dos profesores, todavía tardaría bastante tiempo en aprender a leer música. En 1919 abandona los estudios de diseño y decoración, decide casarse con con una amiga de la infancia y busca en la música su profesión.

Wikipedia nos aporta, que fur  hijo de James Edward Ellington, un mayordomo de la Casa Blanca, y de Daisy Kennedy Ellington. Desde muy joven, el ambiente confortable en el que vivió le facilitó, con siete años, comenzar a recibir lecciones de piano, y a escribir música en su adolescencia. En 1917 dejó el instituto en el que estudiaba, y pasó a dedicarse por completo a la música. Su debut profesional se produjo con diecisiete años, en su ciudad natal. Desde sus inicios ya influyó en él un género musical muy popular a principios de siglo, el ragtime, estilo esencialmente pianístico derivado del jazz.

A partir de 1919 comenzó a tocar con diversas bandas de la zona de Washington, D.C. pero en septiembre de 1923 se decidió trasladar permanentemente a Nueva York con The Washingtonians, el quinteto al que pertenecía. Se convirtieron al poco tiempo en el grupo residente del club The Hollywood Club de Times Square (más tarde conocido como The Kentucky Club o también the Club Kentucky). En noviembre de 1924 realizaron sus primeras grabaciones, utilizando diferentes pseudónimos para cada una de las compañías con las que tocaron. "East St. Louis Toodle-oo", una de sus primeras grandes producciones, grabada en 1926, y es un ejemplo del denominado estilo "jungle" (jungla) que tocaban. Obras como ésta hicieron que la fama de la agrupación, ya bajo la batuta artística de Ellington, fuera creciendo

Cabe destacarse, que la década de 1960 despertó el interés de Duke Ellington en la música litúrgica. Compuso piezas como "In the beggining of God", reproducida públicamente por primera vez en 1965 en la catedral de San Francisco, y permaneció al frente de su orquesta hasta su fallecimiento, momento en el cual tomó el relevo su hijo Mercer Ellington. Simultáneamente, también grabó con una extensa serie de músicos más jóvenes y de reconocido talento: John Coltrane, Max Roach o Charlie Mingus.

No hay que olvidar como lo relata apoloybaco,com, que  entre 1927 y 1945, después de crear para el jazz el "jungle style Duke Ellington y su orquesta alcanzan en este periodo la cumbre de su madurez artística y creativa. La orquesta de Duke Ellington en los años cuarenta  era sin duda la que poseía los mejores solistas y los instrumentistas mas virtuosos de la época y la revista Down Beat le situó en varias ocasiones por refrendo popular por encima incluso de la de Benny Goodman. Tras el declive de las bigbands, Ellington, fue el único líder de orquesta que nunca disolvió la suya. A falta de contratos pagaba a sus músicos con los dineros ingresados por sus derechos de autor y utilizaba su orquesta para componer con ella y oír su música. Pero algunos de sus solistas se marcharon entre finales de la década de los cuarenta y principios de los cincuenta para iniciar sus carreras en solitario. A la marcha de Ben Webster, Barney Bigard, Tizol y otros, se unió una definitiva en 1951, la de su amigo, Johnny Hodges. La prensa que antes no le escatimaba elogios, anunciaba casi a diario la desaparición de la orquesta

No se puede olvidar lo que sucedió en el Festival de Jazz de Newport de 1956, pues quedó escrito en los anales del jazz. Duke Ellington, sacó de su chistera creativa dos temas compuestos en 1937, "Diminuendo in Blue" y "Crescendo en  in blue" y decidió encima del escenario servirlos unidos, separándolos simplemente con un interludio a cargo de Gonsalves. Y ahí se produjo el milagro. Los arrolladores veintisiete "chorus" seguidos de jazz puro y duro que improvisó el saxofonista, empujado por una rítmica ejemplar le dieron la vuelta al historia. Las sillas volaban por encima de las cabezas de los atónitos y rugientes espectadores y a la mañana siguiente toda la prensa anunciaba en grandes titulares "Ellington ha vuelto"

Murió el 24 de mayo de 1974, víctima de un cáncer de pulmón agravado por una neumonía. Sus restos reposan en el Woodlawn Cemetery, en la ciudad de Nueva York.

Se dice que , Ellington ocupa para siempre, el trono de los mas grandes creadores del jazz junto a Louis Armstrong y Charlie Parker, y es sin duda alguna uno de los mas grandes compositores del Siglo XX cualquiera que sea la música que se considere y su legado es una herencia cultural que permanecerá siempre entre nosotros. 

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LOS AMORES DE CHOPIN

CARLINMORVA
Las obras de Chopin permanece en el presente todavía muy demandad a quienes de alguna forma se identifican con la música clásica.
Se dice que es "uno de los más grandes y destacados meteoros que hayan cruzado jamás el firmamento y horizonte musical".
Se ha señalado, que todo mundo le quería, todo mundo le solicitaba. Tocaba espléndidamente, de manera inolvidable, en las más altas reuniones de gente culta y distinguida. Tenía su propio coche, su criado de librea y usaba siempre guantes blancos.
Para Chopin el piano era como una extensión de sí mismo. Era algo que formaba parte de él. Los que le conocían y la crítica misma, le consideraban "el poeta del piano". Su forma de tocar, su manera de interpretar causaba sensación. Y es que Chopin sentía el piano, sentía las notas, sentía la música.

Federico Chopin nació en el pequeño pueblo de Zelazowa, Polonia, el 22 de febrero de 1810. Fue su ciudad natal, Zelazowa (Jeliasovaya Volia), cerca, a unos cuantos kilómetros de Varsovia; el lugar donde Federico se desenvolviera en sus primeros años.
Su padre, Nicolás Chopin, quien había sido primeramente bibliotecario en una fábrica cigarrera, y posteriormente maestro en una escuela de Varsovia, era francés de origen. Había nacido en Nancy, Francia, estableciéndose después en Polonia. Un hombre quien luchara por defender a Varsovia de los rusos y se casara con una polaca, cuyo nombre era Justina Kryzanowska.
Chopin tenía sangre polaca, a la vez que sangre francesa. De hecho su nombre completo fue Frédéric François Chopin; su primer nombre, polaco; su segundo, francés. Un niño que recibiera su primera instrucción en la escuela privada de su padre, estudiando junto a los más destacados polacos de la clase noble.
Se relacionó con la nobleza de su época y fue muy admirado por el sexo femenino, se dice que muchas damas "echaban los ojos" al apuesto y joven maestro. Se desmoronaban por él.
Imaginaban con su seductor y femenino atrevimiento qué se sentiría hacerlo con un polaco. Sabían que Federico tocaba espléndidamente, pero... ¿qué otras cosas pudieran aprender del polaco...? Se mostraban insinuantes, deseosas de entregarse a los brazos de su maestro, pero Federico no se enamoró realmente de ninguna de ellas.
Se sabe tenía además, grandes amigos, entre quienes se encontraban e incluían Lizt, Berlioz, Bellini, Balzac, Heine y Schuman quien dijera -según cita de Brahms- "Hay que quitarse el sombrero, señores, ¡es un genio...!
Aparte, nuestro personaje se sentía realizado con la música. Sus obras muestran su inquietud y sentimiento, su nostalgia y corazón. Las modalidades rítmicas que escogió para sus obras fueron casi siempre tradicionales, como, por ejemplo, la mazurca; pero, el nuevo vino, vertido de esas viejas garrafas de plata, algunas veces en límpidas copas de cristal (en los casos menos elegantes), hacían que las notas y melodías tomasen nuevos encantos y matices.
geocities. com, comenta sobre la vida amorosa de Chopin, que llevó una vida febril y ardiente que en París que a lo largo, contribuyó a minar su salud de por si ya precaria. Se había roto su compromiso matrimonial con una joven polaca llamada María Wodzinska; o, mejor dicho, habían sido los padres de ella los que se oponían a su matrimonio debido al desarreglo en las costumbres del joven pianista.
Su novia se había ido. Habían roto. Y es, en uno de esos momentos, de vacía desesperanza, que conoció a la novelista francesa Aurora Dupin, baronesa Dudevant, mejor conocida como "Jorge Sand". Tal parece que esta mujer (con nombre o `alias' de hombre) no lo sedujo: era fría, acerada, algo hombruna (de ahí su mote).
Con todo, fueron amantes. A fines de 1838, ella se llevó a sus dos hijos y a Chopin a la isla de Mallorca, pensando que el sol lo restablecería. Ahí harían su vida, aunque también ahí tendrían sus desavenencias.
Se dice, que la relación con Madame Dudevant (Jorge Sand) inició en 1836 y terminó en 1844. Aquella escapatoria que tuviera con ella a las playas de la soleada Mallorca resultó una de las más funestas aventuras. Se habían alojado en un monasterio cuyas celdas calentaban con braceros malolientes, la comida era detestable y la vida, ahí, no era muy agradable que digamos.
El piano de Chopin tardó dos meses en llegar de Paris y llovía, llovía sin cesar. El eterno tamborileo y repiquetear de la despiadada lluvia sobre el techo le ponían los nervios de punta a Federico. Le taladraban los oídos, le perforaban el cerebro.
Chopin desesperaba. No soportaba más. Este ruido, estos recuerdos quedarían escritos en lo más recóndito de su alma. Recuerdos que quedarían impresos -según lo diría el propio Jorge Sand- en el famoso preludio "La Gota de Agua

Varsovia, donde se enamoró de Konstancja (Konstanze) Gladkowska (1810-1880), una joven estudiante de canto del Conservatorio, que había conocido en 1828 en un concierto de estudiantes de Carl Soliva. De esta primera pasión juvenil nacieron varias obras memorables: el Vals Op. 70 nº 3 y el movimiento lento de su primer Concierto para piano y orquesta en fa menor. Sobre él reconoció a su amigo Titus Woyciechowski: Quizá desafortunadamente, tengo mi propio ideal, al que en silencio sirvo desde hace medio año, con el que sueño y en cuyo recuerdo he compuesto el Adagio de mi nuevo concierto (1829) Dicha obra fue estrenada en el Club de Mercaderes de Varsovia en diciembre del mismo año, y publicada posteriormente como nº 2, Op. 21. También le informaba a T. Woyciechowski: He compuesto unos pocos ejercicios; te los mostraré y tocaré pronto; estos «ejercicios» se convertirían en la primera serie de Estudios Op. 10. Además, componía ya sus primeros nocturnos (escuchar midi del Op. 72 n° 1, 1829) y sus Canciones para voz y piano sobre poemas de Stefan Witwicki (parte del futuro Op. 74, escuchar La plegaria de la doncella, arreglo para piano solo por Franz Liszt).

Aquel romance fue un ardiente sentimiento, mas no decisivo, pues ya estaba completamente decidido a ser un compositor y pronto decidió emprender un «viaje de estudios» por Europa. Originalmente pensó en viajar a Berlín, adonde había sido invitado por el príncipe Antoni Radziwiłł, gobernador del Gran Ducado de Poznań designado por el rey de Prusia; Chopin había sido su huésped en Antoni. Sin embargo, finalmente se decidió por Viena, para consolidar los éxitos de su primera gira. Aunque su correspondencia de este tiempo en Polonia tiene un tono de cierta melancolía, fueron tiempos felices para él, celebrado por los jóvenes poetas e intelectuales de su patria. Konstancja se casaría con otro hombre en 1830. (Wikipedia)

En la primavera de 1836, su enfermedad volvió a manifestarse con énfasis, aunque sus malestares no le impidieron solicitar —y obtener— la mano de Maria Wodzińska, una adolescente de 17 años de la que se había enamorado. El compromiso fue mantenido en secreto. Posteriormente, y al conocer la enfermedad que padecía el músico, la familia Wodzińska declinó el compromiso.

Más tarde, se trasladó de nuevo a Leipzig para encontrarse con Schumann, y tocar ante él fragmentos de su Balada nº 2 y varios estudios, nocturnos y mazurcas.

Al regresar a París, fue abandonando poco a poco las salas de concierto para concentrarse en la composición. De ahí en adelante, quienes deseaban escucharlo debían hacerlo en el ámbito semipúblico de su estudio. Daba aproximadamente cinco clases de piano diarias a diferentes jóvenes adinerados, pero nunca pudo ocultar su aburrimiento y su desdén por estos niños sin talento, que estudiaban piano sólo porque sus padres disponían de dinero para pagar a un gran maestro.

Wikipedia, finalmente agrega, que l obituario publicado en los periódicos dice textualmente: Fue miembro de la familia de Varsovia por nacionalidad, polaco por corazón y ciudadano del mundo por su talento, que hoy se ha ido de la tierra. Tenía tan sólo 39 años de edad.

El solemne funeral de Frédéric Chopin se celebró en la iglesia de Santa Magdalena de París el día 30. En él, cumpliendo disposiciones de su testamento, se ejecutaron sus preludios en Mi menor y en Si menor, seguidos del Requiem de Mozart. Más tarde, durante el entierro en el Cementerio de Père-Lachaise, se tocó la Marcha fúnebre de su Sonata Op. 35. Aunque su cuerpo permanece en París, se obedeció la última voluntad del músico, extrayendo su corazón y depositándolo en la Iglesia de la Santa Cruz de Varsovia.

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MUSICOTERAPIA

CARLINMOR

De acuerdo a la Definición de la Federación Mundial de Musicoterapia."Musicoterapia es la utilización de la música y/o de sus elementos (sonido, ritmo, melodía y armonía) por un Musicoterapeuta calificado, con un paciente o grupo, en un proceso destinado a facilitar y promover comunicación, aprendizaje, movilización, expresión, organización u otros objetivos terapéuticos relevantes, a fin de asistir a las necesidades físicas, psíquicas, sociales y cognitivas. La Musicoterapia busca descubrir potenciales y/o restituir funciones del individuo para que el / ella alcance una mejor organización intra y/o interpersonal y, consecuentemente, una mejor calidad de vida. A través de la prevención y rehabilitación en un tratamiento."

Wikipedia por su parte nos aporta, que consiste en el uso de la música dentro de una estructura organizada de trabajo con un fin terapéutico. Sus objetivos incluyen restaurar, potenciar o mantener el SOY MUY SENSUAL Y ME GUSTA EL PANcomo musicoterapeuta, que integra áreas tan diversas como música, psicología y pedagogía en un marco teórico, y por tanto una metodología de trabajo.

Incluida dentro de las Terapias Creativas, se reconoce la existencia de la musicoterapia como profesión en Estados Unidos desde 1950.

Puede ser un tipo de terapia en sí misma, aunque su carácter interdisciplinario o de terapia auxiliar favorece su integración con otras modalidades terapéuticas (logopedia, terapia ocupacional, fisioterapia o psicomotricidad).

La musicoterapia y también comunicación emocional que el musicoterapeuta debe comprender y no juzgar como de mayor o menor calidad.

images. google,com nos agrega, que la acción de la música es una eficaz terapia que actúa sobre el sistema nervioso y en las crisis emocionales, aumentando o disminuyendo las secreciones glandulares, activando (o disminuyendo) la circulación de la sangre y, por consiguiente, regulando la tensión arterial

La música influye en nuestra mente y en nuestro organismo mediante la creación de emociones. Cualquier pieza musical puede influir ya sea de manera negativa o positiva, tanto puede causarnos depresión, angustia, estrés, ansiedad o ira, como puede relajarnos, causarnos alegría o equilibrio psíquico.

No hace falta saber de música para saber como influye cualquier pieza en nuestro organismo, basta con sentir que tipo de emociones despierta en nosotros. Las emociones negativas liberan sustancias químicas en nuestro organismo que obstaculizan su funcionamiento, las emociones positivas liberan sustancias positivas que colaboran a su buen funcionamiento.

La música actúa dentro de nosotros, de nuestra mente por medio de vibraciones naturales que participan en cualquier tipo de materia. En este caso, estas vibraciones se filtran en nuestra mente y a su vez ésta envía la orden a afectando a nuestro organismo.

De esta manera, tenemos que la música puede curar daños como desequilibrios nerviosos, influye sobre el corazón y los pulmones, y más allá de cualquier enfermedad, también actúa positivamente sobre casos de alcoholismo, tabaquismo, drogas y hasta la prevención de suicidios.

se destaca que la música posee las cualidades de una droga, positivamente hablando, ya que tiene la capacidad de estimular o reprimir funciones del organismo. Al mismo tiempo, la música dispone de un tipo de lenguaje que es imposible convertir en palabras. Es un lenguaje único que solamente se puede interpretar por medio de la energía y la vibración, si nosotros no tenemos este conocimiento en conciencia, nuestra mente y nuestro cuerpo si, nuestro espíritu también, así que basta una pieza musical para que mente, cuerpo y espíritu actúen solos.

Por eso, más allá del misticismo y la espiritualidad, se encuentra la ciencia, la cual a adoptado a la música como una forma de curación en los tratamientos de psicoterapia moderna.

Los cuatro tratamientos más utilizados en la terapéutica musical son:

La audición pasiva
La audición activa
La interpretación
La labor creadora

La terapia musical puede utilizarse para despertar la atención y prolongar la duración de la misma, así como para estimular las facultades de asociación y la potencia imaginativa.

También es excelente para producir escapes socialmente aceptables, asimismo, influye en la persona estimulando la confianza en sí misma.

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SOBRE MUZIO CLEMENTI

Muzio Clementi

CARLINMOR

Italia dentro de sus grandes músicos, interpretes no se puede pasar por alto a Muzio Clementi, un gan compositor y de gran fama por su música para piano.Clementi ha pasado a la historia por su producción de Estudios, Sonatas y Sonatas.
Con los Estudios inicia un desarrollo instrumental que se verá completado en los años siguientes por Chopin y Liszt.La más famosas de sus colecciones de Estudios es "Gradus ad Parnassum", consistente en cien estudios progresivos.
Se sabe de él que nació en Roma en 1752, fue el primero de siete hijos de Nicolò Clementi, un platero altamente respetado y romano por herencia, y de Magdalena Kaiser de nacionalidad suiza. Su talento musical empezó a manifestarse a temprana edad: a los siete años comenzó su instrucción musical, y sus progresos fueron tan notables que a los trece años ganó un lugar como organista de la iglesia.

Clementi fue en su época igual o más famoso que Mozart y, aunque este valoraba a Mozart, no era un sentimiento mutuo. Esto se demuestra en una cita que pronunció Mozart acerca de él: “En cuanto a Clementi, es un excelente intérprete de cémbalo y con eso se ha dicho todo. Tiene mucha habilidad con la mano derecha. Sus pasajes estrella son las terceras y octavas. Por lo demás no tiene ni un kreutzer de gusto ni de sentimiento, un mero mecánico.” Su reputación se vio apagada por Mozart y Beethoven. Ha sufrido un declive precipitado en posteriores generaciones hasta casi su olvido. Esto también les ocurrió a otros músicos como Teleman y Meyerber.
Nos agregataringa.net/posts/musica/, que antes de morir había amasado una importante fortuna debido al cuidado que tenía en el gasto del dinero. Mucha gente le consideraba codicioso aunque realmente no lo era. Se cuenta que un amigo le visitó en Moscú y le vio lavando la ropa en su habitación en vez de hacerlo en la lavandería. Él le explicó que los precios de las lavanderías de Moscú eran horrorosos y que su ropa se dañaba mucho en ellas.
Clementi compuso cerca de 110 sonatas para piano, muchas de las cuales aún se interpretan y forman parte de las piezas seleccionadas en los textos avanzados para los estudiantes de piano, pero en las salas de concierto no son muy frecuentes debido, en gran medida, al hecho de que los profesionales modernos no las ven tan desafiantes. Sin embargo, la mayoría de las sonatas de Clementi son más difíciles de tocar que las de Mozart (en el plano de la técnica pianística). El propio Mozart escribió una carta a su hermana ordenándola que no tocase sonatas de Clementi debido a sus dificultades técnicas y poniendo como pretexto que no serían adecuadas para su salud.

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